Berita Seni di Italia Saat Ini – Venicedesignartgallery

Venicedesignartgallery.com Situs Kumpulan Berita Seni di Italia Saat Ini

Author: blogadmin

10 Karya Seni Claude Lorrain

10 Karya Seni Claude Lorrain – Terlahir sebagai Claude Gellée, Claude Lorrain, juga dikenal sebagai Claude, adalah seorang seniman Prancis yang dikenal karena lukisan lanskap puitisnya yang menakjubkan yang sering dibingkai oleh pohon-pohon besar atau arsitektur klasik. Dia menghabiskan sebagian besar hidupnya menciptakan karya seninya di Italia, terinspirasi oleh keindahannya dan terutama pedesaan yang subur dan hijau. Penguasaan cahayanya sangat indah, terbukti dalam banyak lukisannya, dan menginspirasi seniman masa depan seperti JMW Turner. Lakukan perjalanan karya seni Claude, saat kita menjelajahi 10 karyanya yang terbesar.

Landscape with Cattle and Peasants (1629)

Dilukis di Roma, Italia, Landscape with Cattle and Peasants adalah karya kuno Claude dan dapat dilihat di Philadelphia Museum of Art. Karya ini memberikan gambaran sekilas kepada penonton tentang apa yang sangat terkenal dari Claude rendering lanskapnya yang indah. Di latar depan berdiri beberapa petani dan ternak; daratan surut menjadi latar belakang yang bertemu dengan rangkaian pegunungan dan langit biru bertabur awan. Sementara keseluruhan lukisannya indah, pepohonan adalah daya tarik utamanya. Pepohonan penuh, hijau, dan rindang membingkai pemandangan di latar depan, menunjukkan kepada pemirsa bahwa alam itu megah.

Harbour Scene at Sunset (1634)

Claude juga dikenal karena penggunaan cahayanya yang luar biasa, menciptakan kembali sinar matahari dalam karyanya. Hasil? Potongan yang menakjubkan dipenuhi dengan cahaya yang cemerlang. Salah satu contohnya adalah Pemandangan Pelabuhan saat Matahari Terbenam, dilukis pada tahun 1634 dan saat ini dipegang oleh Royal Collection Trust. Pemandangan pelabuhan yang luar biasa menampilkan pria pekerja keras di latar depan, dengan reruntuhan Romawi yang megah di sebelah kanan tema yang dikunjungi Claude sepanjang kariernya dan kapal di kiri dan di latar belakang. Kegelapan laut sangat kontras dengan langit yang dicium matahari. Hal lain yang perlu diperhatikan adalah penggunaan perspektif Claude yang sangat baik, dengan mata pemirsa tertuju ke matahari. poker online

Liber Veritatis (1635-36)

Dimulai antara 1635 dan 1636, Liber Veritatis adalah karya seumur hidup; Namun, ini bukanlah lukisan melainkan koleksi karya Claude. Terletak di British Museum di London, ini adalah buku yang berisi 195 gambar lukisan yang dia hasilkan selama bertahun-tahun. Ini adalah harta karun bagi mereka yang ingin mempelajari lebih lanjut tentang artis dan perkembangan gayanya sepanjang karirnya. Tidak hanya itu cara bagi Claude untuk melacak sebagian besar karyanya – karya sebelum 1635 tidak dimasukkan karena ada sedikit sebelum tanggal itu tetapi juga, menurut sumber, ‘sebagai pengaman terhadap pemalsuan.’

The Trojan Women Setting Fire to Their Fleet (1643)

Menggambarkan sebuah cerita dari Virgil’s Aeneid – Claude membuat delapan lukisan dari buku ini – The Trojan Women Setting Fire to They Fleet adalah salah satu karya sebelumnya. Penggambaran mitologis diatur dengan latar belakang laut, daratan, dan langit yang tertutup awan, dengan para wanita Trojan bersiap-siap untuk menghancurkan armada mereka dengan bendera compang-camping. Menghabiskan bertahun-tahun menjelajahi laut dan tempat lain setelah jatuhnya Troy, para wanita siap untuk memulai yang baru di Sisilia. Berkat karya di atas, kita tahu bahwa karya ini dilukis untuk Girolamo Farnese di Roma. Hari ini, dapat ditemukan di Metropolitan Museum of Art di New York City.

The Embarkation of the Queen of Sheba (1648)

Terletak di pelabuhan imajiner dengan arsitektur klasik megah mengapit kedua sisi, Embarkasi Ratu Sheba menggambarkan kisah alkitabiah dari Perjanjian Lama, ketika Ratu Sheba melakukan perjalanan ke Yerusalem untuk mengunjungi Raja Salomo. Ditugaskan oleh Duc de Bouillon, bersama dengan The Marriage of Issac and Rebekah, lukisan tersebut adalah representasi yang kuat dari perspektif linier, menciptakan pemandangan tiga dimensi yang indah. Seperti halnya Harbour Scene, penonton juga akan melihat sedikit rona keemasan menyelimuti kanvas, yang disediakan oleh matahari terbit. Lihat ini secara langsung di Galeri Nasional di London.

The Marriage of Isaac and Rebekah (1648)

Juga dikenal sebagai The Mill, The Marriage of Ishac and Rebekah didasarkan pada kisah alkitabiah lain dari Perjanjian Lama, tetapi tidak seperti lukisan di atas, mahakarya ini berlatarkan daratan. Sisi kanan karya seni didominasi oleh pepohonan besar dengan dedaunan yang melimpah, sedangkan sisi kiri secara keseluruhan lebih terbuka, dan jalur air membagi dua latar belakang menjadi dua. Sementara skema warna keseluruhan didominasi oleh biru dan hijau, figur-figur di latar depan mengenakan pakaian berwarna cerah seperti merah, kuning, biru, dan oranye. Meskipun terinspirasi oleh kisah alkitabiah, lukisan itu hanya mencerminkan pemandangan Arcadian sehari-hari dari orang-orang yang bersenang-senang. Lukisan ini juga ditemukan di Galeri Nasional.

The Sermon on the Mount (ca. 1656)

Dilukis aslinya untuk Karangan Bunga François, Uskup Montpellier, Khotbah di Bukit saat ini dapat ditemukan di The Frick Collection di New York City. Seperti yang dapat dilihat pada karya-karya sejauh ini, karya Claude sering kali dibuka di tengah, dengan pepohonan atau arsitektur yang membingkai sisinya; namun, dalam bagian ini, dia melepaskan diri dari formula ini dengan menempatkan Gunung Tabor yang berbatu dan tertutup pohon – dari mana Kristus berkhotbah – hampir tepat di tengah-tengah pemandangan. Pemirsa juga akan melihat Gunung Lebanon di kejauhan, bersama dengan Laut Galilea, ditambah Laut Mati dan Sungai Jordan. Meskipun mungkin merupakan penyimpangan dari lanskap tradisionalnya, keindahannya memancar.

The Enchanted Castle (1664)

Lukisan tahun 1664 yang menggambarkan subjek mitologis ini juga dikenal sebagai Landscape with Psyche Outside the Palace of Cupid. Terletak di Galeri Nasional, The Enchanted Castle ditugaskan oleh Lorenzo Onofrio Colonna, seorang bangsawan Romawi. Psyche duduk termenung di bukit berumput di depan kastil Cupid. Pemirsa benar-benar tidak tahu apakah ini momen sebelum dia bertemu Cupid atau setelah dia meninggalkannya. Airnya berwarna biru berkilau, terutama ke arah belakang di mana sinar matahari menari di atasnya. Sekarang, bandingkan itu dengan latar depan yang gelap dan murung yang diselimuti oleh bayangan kontras terang dan gelap yang sangat indah.

Coast View with Perseus and the Origin of Coral (1674)

Sekarang bagian dari koleksi pribadi, Pemandangan Pantai dengan Perseus dan Asal Usul Karang diciptakan untuk Kardinal Camillo Massimi pada tahun 1674. Claude membuat beberapa studi persiapan untuk lukisan ini, yang dapat ditemukan di museum di seluruh dunia, termasuk Musée Bonnet di Bayonne , Museum Inggris, Met, dan Louvre di Paris. Versi di Met diyakini sebagai representasi terdekat dari lukisan terakhir, yang merupakan lanskap indah dengan pepohonan, termasuk pohon palem di sisi kiri dan lengkungan batu yang mendominasi sisi kanan. Meskipun ini menunjukkan kisah Ovid, angkanya sangat kecil sehingga hampir tidak signifikan, karena sekali lagi alam adalah bintangnya.

Read More

10 Karya Seni Caravaggio

10 Karya Seni Caravaggio – Sepanjang hidupnya, Caravaggio dikenal sebagai pemberontak dia terlibat dalam pertarungan pedang, perkelahian, dan bahkan pembunuhan. Kehidupan pribadinya terus-menerus diwarnai dengan drama dan kekacauan, kualitas yang tercermin dalam lukisan chiaroscuro yang merenung. Karya-karyanya yang realistis, yang terkadang dianggap kontroversial, meninggalkan jejak yang tak terhapuskan di dunia seni Eropa. Di sini kita melihat sepuluh karya seni terpenting dari Caravaggio.

‘The Calling of Saint Matthew’

Karya agung Caravaggio ini menunjukkan momen di mana Yesus mengilhami Matius untuk mengikutinya. Berdiri di samping Santo Petrus, Yesus menunjuk ke arah Matius, yang sedang duduk di meja dengan empat pria lainnya. Jelas bahwa Caravaggio diilhami oleh dunia nyata di sebagian besar karya seninya dan karya ini tidak terkecuali, karena ia melabuhkan adegan alkitabiah dalam realitas modern. Mungkin juga dia dipengaruhi oleh lukisan Tuhan di Kapel Sistina karya Michelangelo, menunjuk langsung ke arah Adam untuk membangunkannya.

‘Doubting Thomas’

Lukisan lain dengan tema alkitabiah, ‘Doubting Thomas’ juga dikenal sebagai ‘The Incredulity of Saint Thomas’. Salah satu rasul, Tomas meragukan kebangkitan Kristus, mengatakan dia tidak akan mempercayainya sampai dia dapat meletakkan jarinya di tempat paku-paku menusuk tubuh yang disalibkan. Caravaggio memberi kita gambaran yang sangat detail, mendalam, dan berdarah dari pemandangan itu – bahkan mungkin untuk melihat kuku jari Thomas yang kotor saat dia memastikan sensasi lukanya. poker asia

‘Bacchus’

Bacchus adalah nama Romawi untuk Dionysus, dewa anggur, kegilaan, dan ekstasi Yunani. Di sini, dia, agak tepat, digambarkan oleh Caravaggio sebagai remaja Italia abad ke-17. Lukisan itu menarik karena sejumlah alasan: Banyak yang berspekulasi bahwa Caravaggio menggunakan cermin untuk melukis, memodelkan dirinya dengan menyamar sebagai Bacchus (perhatikan bahwa anggur dipegang di tangan kiri sosok itu). Terlebih lagi, setelah pekerjaan restorasi, refleksi kecil Caravaggio, dengan kuas di tangan, juga ditemukan di teko anggur!

‘The Fortune Teller’

Tidak seperti kebanyakan seni Italia pada masa itu, ‘The Fortune Teller’ tidak menggambarkan cerita dari Alkitab atau mitologi Yunani-Romawi. Ini hanyalah pemandangan dari kehidupan sehari-hari, yang populer di lukisan Eropa utara, bukan Italia. Karya Caravaggio menampilkan seorang pemuda kaya yang dengan naif memercayai seorang gadis gipsi untuk membaca telapak tangannya. Dia menatap matanya saat dia dengan lembut melepaskan cincin dari jarinya! Karya tersebut adalah contoh kegemaran seniman untuk mengambil inspirasi dari alam dan kejadian sehari-hari, bukan dari karya para ahli seni yang suci di masa lalu.

‘The Beheading of Saint John the Baptist’

Dipuji sebagai “salah satu karya terpenting dalam lukisan Barat” oleh penulis Andrea Pomella, mahakarya ini adalah altar terbesar yang pernah dilukis oleh Caravaggio. Kanvas itu begitu besar sehingga figurnya kira-kira seukuran aslinya, tergantung dominan di St. John’s Co-Cathedral di Malta, gereja yang awalnya ditugaskan untuk itu. Minyak tersebut menggambarkan eksekusi Yohanes Pembaptis dan merupakan satu-satunya karya yang pernah ditandatangani Caravaggio. Tanda tangannya, terletak di darah yang tumpah dari tenggorokan John, ditemukan selama pemulihan pekerjaan.

‘Judith Beheading Holofernes’

‘Judith Beheading Holofernes’ mewakili pertama kalinya Caravaggio memilih untuk menggambarkan subjek yang begitu dramatis. Dia menangkap momen pemenggalan kepala dengan bakat dramatis dengan menggunakan pencahayaan dari samping dengan latar belakang hitam bertinta. Realisme pemandangan tidak dapat dipungkiri, terutama ditandai oleh ekspresi wajah para tokoh. Holofernes mengerutkan tubuh dan menjerit, sementara ekspresi Judith menunjukkan perpaduan antara tekad dan rasa jijik. Faktanya, realisme lukisan itu telah membuat beberapa orang percaya bahwa Caravaggio dipengaruhi oleh eksekusi Beatrice Cenci yang dipublikasikan secara luas di Roma pada tahun 1599. Jika angka-angka tersebut menjadi statis, mereka terus dibuat dari daging yang kokoh dan meyakinkan, menggantikan ruang. Tapi rongga di sekitar mereka setidaknya hitam dan dua dimensi karena kosong dan tiga dimensi. Gambar tersebut menyerupai foto yang diambil dengan lensa sudut lebar, terbentang secara panoramik daripada menembus kedalaman dalam satu bingkai penglihatan. Anehnya, titik awalnya adalah sosok yang paling tidak penting, sang pelayan, yang kepalanya diprofilkan dengan tepat dalam relief dan bukan bulat menyiratkan sudut pandang dari depan tepi kanan lukisan daripada dari tengah. Keanehan ini mungkin merupakan hasil dari caravaggio yang belum sepenuhnya mengembangkan teknik rendering pada permukaan dua dimensi, efek dari aksi yang kuat dalam ruang tiga dimensi yang sepenuhnya meyakinkan. Atau bisa dibayangkan lukisan itu dirancang untuk dilihat dari kanan, dan dia sudah bereksperimen dengan komposisi anamorphic. Pengaruh Da Vinci terlihat jelas dalam Judith Beheading Holofernes milik Caravaggio. Di sini, wajah yang sangat intens dari nenek tua yang memegang tas untuk kepala Holofernes tak dapat disangkal menggugah karikatur da Vinci.

‘David with the Head of Goliath’

Demi konsistensi, tema pemenggalan dan melihat ‘David dengan Kepala Goliath’ Caravaggio. Karya lain yang sangat dramatis dan teatrikal, David digambarkan tidak merayakan kemenangannya atas raksasa itu, melainkan tenggelam dalam pikirannya, mungkin merenungkan koneksi alkitabiahnya yang aneh dan ikatannya dengan musuhnya. Aspek lain yang menggugah pikiran adalah kenyataan bahwa Caravaggio melukis dirinya sendiri sebagai Goliath. Dia telah melukis versi lain dengan tema yang sama hanya beberapa tahun sebelumnya; yang satu ini, bagaimanapun, jauh lebih gelap, lebih teduh dan lebih dalam dalam penggambarannya.

‘Basket of Fruit’

Caravaggio membantu membuat benda mati menjadi genre artistik yang populer. Lukisan akhir abad ke-16 ‘Sekeranjang Buah’ adalah contoh dari upaya dan desain yang diterapkan pada semua karyanya. Keranjang duduk setinggi mata dan menjorok keluar dari tepi meja, mengancam untuk jatuh tepat ke pangkuan penonton. Para kritikus telah lama memperdebatkan makna di balik buah yang terlalu matang dan dimakan cacing; Bahkan mungkin Caravaggio hanya melukis apa yang tersedia pada saat itu.

‘The Taking of Christ’

Lukisan ini, diselesaikan sekitar 1602 dan menggambarkan penangkapan Yesus Kristus, hari ini ditempatkan di Galeri Nasional Irlandia di Dublin. Selain dari penguasaan Caravaggio dalam pencahayaan, warna dan bayangan, kisah hilangnya lukisan dan penemuan terbaru adalah penting. Dianggap hilang pada akhir abad ke-18, keberadaan lukisan itu tidak diketahui hingga tahun 1990, ketika lukisan itu diakui di kediaman Serikat Yesus di Dublin. Hal yang rumit adalah kenyataan bahwa setidaknya ada 12 salinan yang diketahui dari ‘Pengambilan Kristus’ secara keseluruhan! Lukisan itu kini telah mendapatkan kembali statusnya sebagai karya utama Caravaggio, diselesaikan selama periode seniman yang pendek, tetapi sangat produktif, di Roma. Ia memiliki semua fitur yang terkait dengan karya-karyanya yang luar biasa: kisah dramatis, pencahayaan chiaroscuro, figur ekspresif, dikombinasikan dengan dimensi spiritual dan detail permukaan yang megah.

‘Head of Medusa’

Caravaggio melukis dua versi Medusa – ini adalah versi kedua yang saat ini disimpan di Galeri Uffizi di Florence. Karya ini benar-benar unik – dilukis di atas perisai seremonial yang diberikan kepada Ferdinand I de ‘Medici, yang merupakan Duke of Tuscany pada saat itu. Permukaan cekung perisai pasti telah memberi Caravaggio tantangan perspektif – tantangan yang berhasil ia dinavigasi dengan penampilan berbagai hal! “Kepala Medusa” yang dieksekusi oleh Caravaggio, pada tahun 1598, ditugaskan sebagai pelindung serimonial oleh Kardinal Francesco Maria Del Monte, agen keluarga Medici di Roma, setelah melihat, di studio pelukis, versi pertama – Lukisan Metula. Tujuan dari tugas ini adalah untuk melambangkan keberanian Grand Duke of Tuscany dalam mengalahkan musuh-musuhnya. Untuk pokok bahasannya, Caravaggio mengacu pada mitos Yunani tentang Medusa, seorang wanita berambut ular yang mengubah orang menjadi batu dengan melihatnya.

Read More

Seni Italia

Seni Italia – Sejak zaman kuno, orang Yunani, Etruria, dan Celtic masing-masing telah mendiami bagian selatan, tengah, dan utara semenanjung Italia. Banyak sekali lukisan batu di Valcamonica yang berusia 8.000 SM, dan terdapat banyak peninggalan seni Etruria dari ribuan kuburan, serta peninggalan yang kaya dari koloni Yunani di Paestum, Agrigento, dan tempat lain.

Seni Italia

Roma kuno akhirnya muncul sebagai kekuatan Italia dan Eropa yang dominan. Peninggalan Romawi di Italia memiliki kekayaan yang luar biasa, dari monumen megah Kekaisaran Roma itu sendiri hingga bangunan-bangunan biasa yang sangat terpelihara dengan baik.Pompeii dan situs tetangga.

Setelah jatuhnya Kekaisaran Romawi, di Abad Pertengahan Italia, terutama di utara, tetap menjadi pusat penting, tidak hanya dari seni Carolingian dan seni Ottonian dari Romawi Suci Kaisar, tetapi untuk seni Bizantium dari Ravenna dan situs lainnya. idn poker

Italia adalah pusat utama perkembangan seni di seluruh Renaissance (1300-1600), dimulai dengan Proto-Renaissance dari Giotto dan mencapai puncaknya tertentu di High Renaissance dari Leonardo da Vinci, Michelangelo dan Raphael, yang karya-karyanya terinspirasi fase kemudian Renaissance, yang dikenal sebagai Mannerisme.

Italia mempertahankan dominasi artistiknya hingga abad ke-17 dengan Barok (1600-1750), dan ke abad ke-18 dengan Neoklasikisme (1750-1850). Pada periode ini, wisata budayamenjadi penyangga utama ekonomi Italia. Baik Barok dan Neoklasikisme berasal dari Roma dan menyebar ke semua seni Barat.

Italia mempertahankan kehadirannya di kancah seni internasional sejak pertengahan abad ke-19, dengan gerakan seperti Macchiaioli, Futurisme, Metafisika, Novecento Italiano, Spasialisme, Arte Povera, dan Transavantgarde.

Seni Italia telah memengaruhi beberapa gerakan besar selama berabad-abad dan telah menghasilkan beberapa seniman hebat, termasuk pelukis, arsitek, dan pematung. Sekarang, Italia memiliki tempat penting dalam kancah seni internasional, dengan beberapa galeri seni, museum, dan pameran utama; pusat seni utama di negara ini termasuk Roma, Florence, Venesia, Milan, Turin, Genoa, Napoli, Palermo, Lecce dan kota-kota lain. Italia adalah rumah bagi 55 Situs Warisan Dunia, jumlah terbesar dari negara mana pun di dunia.

Seni Etruscan

Patung perunggu Etruria dan relief penguburan terakota termasuk contoh tradisi Italia Tengah yang kuat yang telah memudar pada saat Roma mulai membangun kerajaannya di semenanjung.

Lukisan Etruria yang bertahan hingga zaman modern sebagian besar adalah lukisan dinding dari kuburan, dan terutama dari Tarquinia. Ini adalah contoh terpenting seni figuratif pra-Romawi di Italia yang diketahui oleh para sarjana.

Lukisan dinding terdiri dari lukisan di atas plester baru, sehingga ketika plester dikeringkan, lukisan itu menjadi bagian dari plester dan bagian integral dari dinding, yang membantunya bertahan dengan baik (memang, hampir semua lukisan Etruscan dan Romawi yang masih ada) ada di lukisan dinding).

Warna dibuat dari batu dan mineral dalam warna berbeda yang digiling dan dicampur dalam media, dan sikat halus dibuat dari bulu hewan (bahkan sikat terbaik dibuat dengan rambut lembu). Dari pertengahan abad ke-4 SM, chiaroscuromulai digunakan untuk menggambarkan kedalaman dan volume.

Terkadang adegan kehidupan sehari-hari digambarkan, tetapi lebih sering adegan mitologis tradisional. Konsep proporsi tidak muncul dalam lukisan dinding yang masih ada dan kami sering menemukan penggambaran hewan atau pria dengan beberapa bagian tubuh di luar proporsi. Salah satu lukisan dinding Etruria yang paling terkenal adalah Makam Singa Betina di Tarquinia.

Seni Romawi

Etruria bertanggung jawab untuk membangun bangunan monumental paling awal di Roma. Kuil dan rumah Romawi sangat mirip dengan model Etruria. Elemen pengaruh Etruria di kuil-kuil Romawi termasuk podium dan penekanan pada bagian depan dengan mengorbankan tiga sisi yang tersisa.

Rumah-rumah besar Etruria dikelompokkan di sekitar aula tengah dengan cara yang sama seperti kota Romawi. Rumah-rumah besar kemudian dibangun di sekitar atrium. Pengaruh arsitektur Etruscan secara bertahap menurun selama republik dalam menghadapi pengaruh (terutama Yunani) dari tempat lain.

Arsitektur Etruscan sendiri dipengaruhi oleh bangsa Yunani sehingga ketika bangsa Romawi mengadopsi gaya Yunani, budaya tersebut sama sekali tidak asing. Selama republik, mungkin ada penyerapan pengaruh arsitektur, terutama dari dunia Helenistik, tetapi setelah jatuhnya Syracuse pada 211 SM, karya seni Yunani membanjiri Roma.

Selama abad ke-2 SM, aliran karya-karya ini, dan yang lebih penting, para pengrajin Yunani, terus berlanjut, sehingga sangat mempengaruhi perkembangan arsitektur Romawi. Pada akhir republik, ketika Vitruviusmenulis risalahnya tentang arsitektur, teori dan contoh arsitektur Yunani dominan.

Dengan perluasan kekaisaran, arsitektur Romawi tersebar di area yang luas, digunakan untuk bangunan umum dan beberapa bangunan pribadi yang lebih besar. Di banyak daerah, elemen gaya dipengaruhi oleh selera lokal, terutama dekorasi, tetapi arsitekturnya tetap dikenali Romawi.

Gaya arsitektur vernakular dipengaruhi oleh berbagai tingkatan oleh arsitektur Romawi, dan di banyak daerah, unsur Romawi dan asli ditemukan digabungkan di gedung yang sama.

Pada abad ke-1 M, Roma telah menjadi kota terbesar dan termaju di dunia. Bangsa Romawi kuno datang dengan teknologi baru untuk meningkatkan sistem sanitasi kota, jalan, dan bangunan.

Mereka mengembangkan sistem saluran air yang mengalirkan air tawar ke kota, dan mereka membangun selokan yang membuang limbah kota. Orang Romawi terkaya tinggal di rumah besar dengan taman. Namun, sebagian besar penduduk tinggal di gedung apartemen yang terbuat dari batu, beton, atau batu kapur.

Bangsa Romawi mengembangkan teknik baru dan menggunakan bahan seperti tanah vulkanik dari Pozzuoli, sebuah desa dekat Napoli, untuk membuat semen mereka lebih keras dan kuat. Beton ini memungkinkan mereka membangun gedung apartemen besar yang disebut insulae.

Lukisan dinding menghiasi rumah-rumah orang kaya. Lukisan sering menunjukkan pemandangan taman, peristiwa dari mitologi Yunani dan Romawi, pemandangan sejarah, atau pemandangan kehidupan sehari-hari.

Roma menghiasi lantai dengan mozaik gambar atau desain yang dibuat dengan ubin kecil berwarna. Lukisan dan mozaik yang kaya warna membantu membuat ruangan-ruangan di rumah Romawi tampak lebih besar dan lebih terang serta memamerkan kekayaan pemiliknya.

Di era Kristen di akhir Kekaisaran, dari 350–500 M, lukisan dinding, pekerjaan langit-langit dan lantai mosaik, dan patung penguburan berkembang pesat, sementara patung berukuran penuh pada lukisan bulat dan panel punah, kemungkinan besar karena alasan agama.

Seni Italia

Ketika Konstantin memindahkan ibu kota kekaisaran ke Byzantium (berganti nama menjadi Konstantinopel), seni Romawi memasukkan pengaruh Timur untuk menghasilkan gaya Bizantium dari kekaisaran akhir. Ketika Roma dijarah pada abad ke-5, pengrajin pindah ke dan mendapatkan pekerjaan di ibu kota Timur.

Gereja Hagia Sophia di Konstantinopel mempekerjakan hampir 10.000 pekerja dan pengrajin, dalam ledakan terakhir seni Romawi di bawah Kaisar Justinian I, yang juga memerintahkan pembuatan mosaik terkenal dari Ravenna.

Read More

Bagaimana Futuris Italia Membentuk Estetika Modernitas Di Abad Ke-20

Bagaimana Futuris Italia Membentuk Estetika Modernitas Di Abad Ke-20 – Futuris Italia merayakan teknologi, masa muda, dan kekerasan dalam karya avant-garde mereka. Selena Daly, seorang profesor dan pakar gerakan, menjelaskan perannya dalam membentuk masyarakat Italia.

Ketika jurnalis Italia Filippo Tommaso Marinetti pergi ke garis depan Perang Dunia I, dia sangat senang mengayuh sepeda di sana. Pada tahun 1915, sepeda adalah moda transportasi avant-garde dan Marinetti adalah tipe pria yang avant-garde. Dia telah membuat gelombang di seluruh Eropa beberapa tahun sebelumnya ketika dia meluncurkan Manifesto Futurist.

Bagaimana Futuris Italia Membentuk Estetika Modernitas Di Abad Ke-20

Selena Daly: Marinetti, yang ahli dalam periklanan dan promosi diri, mendapat manifesto pertama yang diterbitkan di halaman depan surat kabar harian Paris Le Figaro pada bulan Februari 1909. Ini benar-benar peluncuran yang sangat berani dari gerakan seni dan budaya saat ini dan mendapat banyak perhatian juga di seluruh dunia. slot online indonesia

Selena Daly adalah dosen studi Italia di University College Dublin dan pakar Futuris Italia. Visi Marinetti tentang masa depan dibangun dengan pujian tinggi terhadap teknologi dan estetika modernitas.

Jadi dia memuji dalam manifesto ini mobil yang melaju, kapal uap, lokomotif. Semua teknologi ini yang mungkin bagi mata kita sekarang mungkin tampak sedikit aneh tetapi pada saat itu benar-benar merupakan teknologi mutakhir.

Jadi sangat terkenal, Marinetti dalam manifesto itu memuji mobil yang melaju lebih indah daripada patung Yunani terkenal, Winged Victory of Samothrace yang berdiri di Louvre dulu dan sekarang.

Itu adalah gerakan yang dimulai dengan sastra dan puisi dan menyebar ke seni pahat, seni rupa, musik dan bahkan tekstil. Misalnya, karya 1921 yang disebut Fox-trot Futurist oleh seorang komposer Italia, Virgilio Mortari, dipengaruhi oleh Futurist. Visi Marinetti sama destruktif dan provokatifnya dengan kreativitas dan pemikiran ke depan.

SD: Dia merasa bahwa Italia sebagai sebuah negara benar-benar terbebani oleh beban Renaisans dan bagasi Roma kuno dan masa lalu klasiknya. Dan dia benar-benar ingin Italia selalu berhenti melihat ke belakang dan sebagai gantinya melihat apa yang bisa ditawarkan masa depan kepada mereka dalam hal inspirasi seni dan sastra.

Dan dalam manifesto pertama dia mengatakan dia ingin meremajakan Italia yang menurutnya sangat stagnan dan oleh karena itu dia mengatakan bahwa setiap orang harus membakar perpustakaan, membanjiri museum dan dengan cara ini memutuskan semua hubungan dengan masa lalu.

Dengan Perang Dunia I yang akan segera terjadi, Marinetti dan kelompok pengikutnya dengan cepat membuat kesal Italia untuk bergabung dalam pertarungan. Mereka merasa bahwa perang akan membantu mewujudkan visi Futuristik mereka.

SD: Salah satu slogan paling terkenal yang diciptakan Marinetti ada di manifesto pertama di mana dia mengatakan bahwa dia memuji perang sebagai “satu-satunya kebersihan dunia”. Gagasan bahwa harus ada perang pembersihan yang akan menyingkirkan Italia dan Eropa dari semua obsesinya terhadap masa lalu dan mereka dapat bergerak maju ke masa depan yang lebih cerah.

Butuh sembilan bulan bagi para pemimpin Italia untuk setuju bergabung dalam perang selama waktu itu kaum Futuris berkampanye dengan gencar untuk intervensi. Ketika Italia benar-benar memasuki perang di pihak Sekutu pada Mei 1915, Marinetti dan kelompok sesama Futuris mendaftar secepat mungkin.

SD: Mereka sangat senang dengan pemboman itu. Mereka menemukan ini sebagai inspirasi juga untuk seni mereka dan dalam banyak hal mempraktikkan apa yang telah mereka khotbahkan dan apa yang telah mereka pikirkan dan bayangkan sebelum Perang Dunia I.

Ketika perang berakhir pada tahun 1918, kaum Futuris mengalami periode keterlibatan politik yang intens, membentuk Partai Politik Futuris dan membentuk aliansi yang erat dengan Benito Mussolini dan gerakan Fasisnya.

Partai Futuris ingin menjadikan Italia hebat kembali. Mereka menginginkan negara yang tidak lagi berada dalam “perbudakan masa lalunya” di mana satu-satunya agama adalah “agama masa depan”.

Manifesto mereka menjanjikan nasionalisme revolusioner, dan mencakup ide-ide seperti penghapusan total senat dan pembubaran institusi perkawinan secara bertahap.

SD: Tapi di akhir tahun 1919 ada pemilihan umum Italia dan kaum Futuris dan Fasis tampil dengan bencana. Jadi mereka menerima kurang dari 2% suara di Milan dan pada saat itulah Marinetti benar-benar memutuskan bahwa politik parlementer bukan untuknya dan dia mundur.

 Dia membubarkan partai politik Futurist dan dia menarik diri sepenuhnya dari politik parlementer karena dia merasa kecewa dan dia merasa bahwa pesan yang dia miliki tidak tersampaikan.

Pasca 1920, Futurisme tidak lagi menempuh jalur politik parlementer tetapi, setelah 1924, sangat erat selaras dengan gerakan Fasis Mussolini. Jadi meskipun mereka mungkin tidak terlibat dalam partai parlementer, mereka sangat berpihak pada rezim Fasis dan itu tidak berubah sama sekali selama masa hidup Marinetti.

Asosiasi Marinetti dengan Fasisme telah mencemari warisan kaum Futuris sejak saat itu.

Jelas beberapa Futuris menjauhkan diri dari gerakan karena keselarasan dengan Fasisme. Tapi yang lainnya tidak. Ini menarik banyak seni di tahun 1930-an dan beberapa di tahun 1940-an adalah apa yang dapat digambarkan sebagai seni pro-rezim Fasis.

Ada banyak sekali potret Mussolini yang dikerjakan dengan gaya Futurist misalnya. Dan kaum Futuris, meskipun mereka tidak pernah menjadi seni resmi Fasisme negara karena Mussolini tidak pernah ingin menyatakan satu seni sebagai seni negara Fasisme kaum Futuris masih ditampilkan di acara-acara resmi dan memiliki keselarasan yang sangat kuat dengan rezim Musssoini di waktu itu.

Kesetiaan Marinetti kepada Mussolini berlanjut hingga kematiannya pada tahun 1944 di Bellagio di utara Italia, dekat dengan rezim boneka yang dijalankan oleh Mussolini menjelang akhir Perang Dunia II.

Karena ada kultus kepribadian juga di sekitar Marinetti dan dia benar-benar titik fokus dari seluruh gerakan itu agak mereda pada tahap itu setelah kematiannya dan kemudian di akhir perang juga.

Jadi ada Futurist yang masih hidup yang mencoba pada 1940-an dan 1950-an untuk menjaga Futurisme tetap hidup dan pasti ada minat pada Futurisme, tetapi itu dinodai oleh Fasisme dan ada keengganan di banyak kalangan untuk benar-benar membahas seni Futurist dan sastra Futurist atas manfaatnya karena bayangan Fasisme yang menggantung di atasnya.

Hubungan Italia dengan Futurisme masih rumit, tetapi beberapa gambar Futurist tetap menjadi ikon.

Ada patung Boccioni, salah satu seniman Futurist paling terkenal, yang sebenarnya ditampilkan dalam koin Euro 20 sen Italia, hanya untuk memberikan indikasi betapa pentingnya estetika Futuris bagi visi Italia modern saat ini.

Boccioni, sebenarnya meninggal pada tahun 1916. Dia meninggal di bawah senjata, dia benar-benar jatuh dari kudanya dalam pelatihan sehingga dia tidak memiliki kemuliaan kematian di medan perang yang dia inginkan karena dia juga sangat agresif.

Tetapi dia tidak pernah dinodai oleh fasisme karena dia meninggal sebelum fasisme benar-benar muncul. Oleh karena itu, jauh lebih mudah untuk menempatkan patung Boccioni pada koin Euro di Italia karena dia tidak benar-benar memiliki konotasi dan asosiasi lain dengan Fasisme.

Dan kaum Futuris memang membantu membentuk cara orang lain di abad ke-20 membayangkan seperti apa masa depan nantinya.

Estetika Futurist memiliki pengaruh yang sangat besar pada bahasa periklanan misalnya di abad ke-20.

Misalnya saja BMW baru-baru ini mengatakan bahwa mereka sangat dipengaruhi oleh estetika Futurist pada salah satu desain mobilnya.

Bagaimana Futuris Italia Membentuk Estetika Modernitas Di Abad Ke-20

Ada rumah mode yang masih menggunakan cetakan Futurist dan tekstil Futurist untuk menginspirasi koleksinya. Masih ada ketertarikan pada estetika Futurist bahkan hingga hari ini.

Jadi, meskipun visi masa depan Marinetti yang disederhanakan dan teknologi mungkin lahir dari momen politik tertentu, hal itu terus bergema. Bahkan penggunaan umum kata Futurist saat ini tetap berhubungan erat dengan visi Marinetti dari tahun 1909.

Read More

Bagaimana Direktur Pameran Seni Teratas Italia Menata Ulang Acara

Bagaimana Direktur Pameran Seni Teratas Italia Menata Ulang Acara – Sejak gelombang pertama pandemi di musim semi, ketika Italia menjadi pusat gempa, direktur pameran Artissima Turin, Ilaria Bonacossa, telah membatalkan, membatalkan, dan menciptakan kembali pameran tersebut beberapa kali.

Bagaimana Direktur Pameran Seni Teratas Italia Menata Ulang Acara

“Saya tidak pernah bekerja begitu keras di sebuah pameran,” kata Bonacossa kepada Artnet News. “Pada titik ini, saya pasti sudah merencanakan enam pameran berbeda yang berusaha mengikuti perubahan peraturan.”

Rencana terbarunya adalah membuka pameran berskala kecil, dengan nama Artissima Unplugged, minggu ini di tiga museum Turin: Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea, Palazzo Madama, dan Museo d’Arte Orientale. slot online

Pameran tersebut, yang dimiliki oleh Foundation of Turin Museum, mendanai program museum di kota. (Biasanya berlangsung di Oval Lingotto, arena besar yang awalnya dibangun untuk Pertandingan Olimpiade Musim Dingin 2006.)

Tetapi pada Senin pagi, sebagai tanda betapa cepatnya situasi berubah, bocor berita bahwa pejabat Italia berencana untuk menutup museum sekali lagi.

Seruan itu sekarang resmi menyusul pengumuman oleh Perdana Menteri Italia Giuseppe Conte bahwa negara itu memperketat pembatasan, termasuk menutup museum mulai 5 November hingga 3 Desember.

Di bagian lain Eropa, pameran seni yang akan datang termasuk Art Cologne dan dua pameran baru di Belgia, Art Antwerp dan Warehouse Art Fair, terpaksa ditunda atau dibatalkan, karena Jerman dan Belgia meningkatkan tanggapan mereka sendiri terhadap virus.

Bonacossa telah siap untuk kemungkinan ini, dan telah berpindah persneling, mendorong pembukaan langsung Artissima kembali ke 3 Desember. Dia sekarang ingin memperpanjang pertunjukan tersebut melebihi tanggal penutupan yang semula direncanakan pada 9 Januari.

Maurizio Cibrario, presiden Yayasan Museum Turin, mengatakan kepada Artnet News bahwa tawaran untuk menjadi tuan rumah pameran di museum tahun ini adalah cara untuk mendukung acara tersebut, tetapi juga membantu lembaga budaya.

“Artissima memiliki sejarah yang sukses dalam menarik banyak orang dan dermawan pribadi, keduanya merupakan aset strategis dan penting untuk kelangsungan hidup museum,” katanya. “Kami terus berupaya untuk memperluas publik kami dan pameran ini memiliki daya tarik yang kuat bagi generasi muda, baik di dalam maupun luar negeri.”

Mengadakan acara di museum akan memiliki keuntungan tambahan, kata Bonacossa, karena lembaga budaya  sangat siap untuk menangani persyaratan kesehatan masyarakat, yang melibatkan kebijakan tiket, jarak, dan pengendalian kerumunan tertentu.

Tetapi penutupan museum merupakan pukulan lain bagi industri seni, yang belum menerima dana talangan yang signifikan dari pemerintah Italia.

“Orang-orang sangat kecewa karena dunia budaya tidak didukung,” kata Bonacossa. “Ini adalah sektor yang sangat rapuh, dengan banyak pekerja tidak bekerja penuh waktu, dan yang berada di bawah tekanan ekonomi tanpa dukungan, jadi ini adalah situasi yang sangat serius bagi pekerja budaya di Italia saat ini.”

Saat museum ditutup, semua karya dari pameran akan ditampilkan secara online, di mana galeri dapat mengunggah gambar dan informasi hingga 20 karya.

Bagaimana Direktur Pameran Seni Teratas Italia Menata Ulang Acara

Lebih dari 100 galeri ikut serta dalam acara tersebut, termasuk galeri Italia Continua dan Primo Marella, serta entri baru Lambda Lambda Lambda dan Kogo. Sementara itu, “Artissima XYZ,” platform digital pameran untuk tiga bagian kurasinya, akan berjalan sesuai rencana dari 3 November hingga 9 Desember.

Video dan podcast yang menampilkan dealer, kurator, dan artis akan tersedia untuk dilihat di situs, yang oleh Bonacossa dideskripsikan sebagai “lebih seperti majalah seni kontemporer interaktif daripada bagian yang adil”.

Read More

Pertempuran Untuk Seni Italia

Pertempuran Untuk Seni Italia – Akhir bulan lalu, 75 tahun setelah dicuri dari Italia oleh mundurnya pasukan Nazi, benda mati Belanda abad ke-18 dikembalikan ke Istana Pitti di Florence. Di sebuah ruangan besar dengan permadani, menteri kebudayaan Italia dan menteri luar negeri Jerman masing-masing membuka tirai merah untuk mengungkapkan “Vas Bunga” Jan van Huysum.

Pertempuran Untuk Seni Italia

Di bawah pengawasan penjaga bersenjata, Eike Schmidt, direktur galeri Uffizi di kota itu, melangkah maju untuk mengambil lukisan itu, membawanya ke museum dengan tangan bersarung tangan sebelum akhirnya menempatkannya di dalam gelas anggur. “Hari ini,” katanya, “kami memberikan keadilan bagi sejarah.”

Kembalinya lukisan Van Huysum adalah kemenangan kerja sama internasional, puncak dari kampanye selama berbulan-bulan yang direkayasa oleh seorang Jerman atas nama seluruh Italia. idn slot

Bagi Schmidt, itu adalah momen puncak dalam empat tahun karirnya sebagai direktur museum paling populer di Italia, rumah bagi beberapa karya teladan para master Renaisans: “Birth of Venus” Botticelli, “Venus of Urbino” karya Titian, dan karya Piero della Francesca potret Duke dan Duchess of Urbino.

Mungkin juga tindakan penting terakhirnya sebagai direktur Uffizi. Kecuali mundur di menit-menit terakhir, dia akan meninggalkan museum pada bulan Oktober dikalahkan oleh politik disfungsional Italia, yang mencapai titik puncaknya awal pekan ini dengan pengunduran diri perdana menteri Giuseppe Conte. Kepergiannya juga bertepatan dengan momen ketika para pemimpin populis negara itu tampaknya bertekad untuk mempolitisasi gudang seni yang luar biasa di negara itu.

Schmidt tiba di Florence pada 2015 sebagai bagian dari reformasi besar-besaran yang bertujuan untuk mengguncang sistem museum sklerotik Italia yang berdebu. Dua puluh direktur baru ditunjuk di lembaga-lembaga agung seperti Galleria dell’Accademia Venesia, Pinacoteca di Brera Milan, dan Capodimonte di Napoli, dan diberi tingkat otonomi yang belum pernah terjadi sebelumnya oleh kementerian kebudayaan di Roma, yang mendanai dan menjadi staf museum.

Mereka memiliki kebebasan atas anggaran mereka dan diizinkan untuk mengatur ulang galeri, mengatur pinjaman internasional dan mencari pendanaan swasta kekuasaan yang sebelumnya berada setidaknya sebagian di negara Italia.

Ada elemen radikal lain dalam reformasi. Direktur museum Italia secara historis adalah pegawai negeri yang diambil dari administrasi publik. Sekarang posisi itu terbuka untuk orang luar dan, untuk pertama kalinya dalam sejarah Italia, orang asing diizinkan untuk melamar, dengan tujuh orang akhirnya ditunjuk. Di antara mereka adalah Schmidt, yang tiba dari pekerjaan sebagai kurator di Institut Seni Minneapolis.

Sejak saat itu, ia telah memenangkan reputasi sebagai modernis yang tiada henti, memotong waktu penantian yang sangat lama untuk mengunjungi galeri Uffizi menjadi hanya tujuh menit dengan menggunakan kecerdasan buatan;

Mengadakan pertunjukan pertama di Italia oleh seniman kontemporer China Cai Guo-Qiang; mendapatkan rumah mode Gucci untuk membayar Uffizi € 2 juta untuk akses eksklusif ke galeri; dan menggelar pertunjukan musik live untuk menarik pengunjung selama bukan jam sibuk.

Beberapa menolak tindakan mempopulerkan, tetapi tampaknya berhasil: jumlah pengunjung ke galeri Uffizi yang juga termasuk Istana Pitti dan Taman Boboli telah melonjak, mencapai 4,2 juta pada 2018, menggandakan pendapatan dari tahun sebelumnya menjadi € 34 juta.

Namun pada pagi yang panas baru-baru ini di Florence, Schmidt tampak seperti orang yang dikepung. Pada akhir Juni, Menteri Kebudayaan Alberto Bonisoli, anggota Gerakan Bintang Lima anti kemapanan Italia (sampai minggu ini dalam koalisi yang mudah terbakar dengan partai Liga sayap kanan Matteo Salvini) mengajukan proposal yang disambut dengan ngeri oleh banyak orang di bidang seni masyarakat.

Rencana Bonisoli pada dasarnya akan merebut kembali kendali atas museum-museum top Italia, memberikan hak veto kepada negara bagian atas pengeluaran museum, pameran, dan pinjaman internasional, dan membatalkan dewan pengawas independen yang didirikan untuk memberikan panduan bagi museum.

Bonisoli mengatakan rencananya dimaksudkan untuk membasmi “anarki”. Tetapi para pengkritiknya khawatir hal itu membuka jalan bagi negara untuk menggunakan kekuasaannya atas gudang seni Italia yang kaya untuk pengaruh politik.

Sebagai pertanda dari apa yang mungkin terjadi di masa depan, pemerintah awal tahun ini memblokir pinjaman yang telah disepakati sebelumnya atas sebuah karya Leonardo ke Louvre di Paris, bagian dari perselisihan diplomatik dengan pemerintah sentris Emmanuel Macron.

Reformasi datang dengan latar belakang meningkatnya retorika anti-asing dan serangan pemerintah Italia terhadap media. Bahkan seniman yang masih hidup belum kebal. Sebuah poster berjudul “Kita semua berada di perahu yang sama”, dirancang untuk lomba layar di Trieste oleh Marina Abramovic, ibu pemimpin seni pertunjukan Serbia, disita oleh politisi sayap kanan. Abramovic dituduh mempromosikan pandangan liberal yang tidak dapat diterima tentang migrasi ketika Salvini ingin “membersihkan Mediterania” dari para migran.

Pemerintah mempercepat reformasi melalui parlemen pada 15 Agustus – Ferragosto, hari libur umum, ketika kebanyakan orang sedang berlibur atau dialihkan oleh krisis politik. Ini mulai berlaku pada hari Kamis.

Beberapa dari 20 direktur yang ditunjuk pada tahun 2015 masih berharap mendengar kabar dari kementerian, yang belum memastikan posisi mereka, sementara yang lain mengatakan mereka sedang mencari peluang baru.

Dan beberapa telah berhenti. Direktur Austria dari Museo delle Marche, Peter Aufreiter, yang meningkatkan jumlah pengunjung hingga 30 persen selama masa jabatannya, memulai jabatan baru di Wina tahun depan.

Duduk berseberangan dengan Schmidt di kantornya di Uffizi, di mana dia hampir tidak terlihat di atas tumpukan kertas di mejanya, ada perasaan tergesa-gesa untuk menyelesaikannya. Sederet orang mengantri di luar untuk melihatnya; telepon berdering terus menerus.

Bagi Schmidt, rencana pemerintah menunjukkan kegagalan yang tidak terbatas pada lingkup budaya Italia: “masalah ketidakpastian” yang timbul dari ketidakstabilan politik kronisnya, yang bahkan membuat rencana terbaik dibuat pincang. Jungkat-jungkit reformasi dan kontra-reformasi, katanya, “membebani” “lembaga mungkin akan menderita karena ritme ini”.

Dia juga khawatir tentang pemerintah yang mengumpulkan kendali atas museum Italia. “Dengan sentralisasi yang terlibat dalam reformasi terbaru ini,” katanya, “kita dapat melihat bahwa hal itu sejalan dengan politisasi sistem museum.”

Berjuang untuk menyebutkan negara yang mengejar kebijakan budaya yang sebanding, dia akhirnya menyarankan Arab Saudi: “Saya tidak berpikir ada negara di dunia bebas dan barat dengan politik budaya terpusat seperti yang ditetapkan di Italia sekarang.”

James Bradburne, direktur Anglo-Kanada Pinacoteca di Brera Milan, juga blak-blakan. Dia menyebut reformasi kontra yang diusulkan sebagai “re-Sovietisme dari sistem museum Italia”. “Meskipun kami belajar di Uni Soviet bahwa kontrol terpusat tidak berfungsi,” tambahnya getir.

Pertempuran Untuk Seni Italia

Bradburne mengatakan proposal tersebut sudah memiliki efek negatif pada penggalangan dana, acara dan hal lain yang membutuhkan perencanaan, karena liku-liku politik Italia sangat tidak terduga. “Ini adalah bencana tingkat pertama,” katanya.

Bagi Schmidt, ketidakpastian terbukti terlalu berat untuk ditanggung. “Saya senang di sini,” katanya. “Tapi waktu hampir habis atau sudah habis.” Pria berusia 51 tahun itu telah setuju untuk menjadi direktur Museum Kunsthistorisches di Wina.

Read More

Mahakarya yang Hanya Dapat Anda Lihat di Milan

Mahakarya yang Hanya Dapat Anda Lihat di Milan – Dari lukisan Renaisans dan fresko hingga simbol ikonik sejarah Italia modern, telusuri mahakarya dari koleksi seni permanen Milan.

Koleksi seni di Milan memberikan pelajaran sejarah, mulai dari para ahli kuno Renaisans hingga Futuris yang memperhitungkan modernitas menjelang Perang Dunia I. Italia telah menjadi rumah bagi koleksi visioner yang tak tertandingi selama berabad-abad, dan koleksi permanen Milan koleksinya menawarkan banyak harta karun artistik, antara lain karya-karya terkenal Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Canaletto, Caravaggio, Francesco Hayez dan Umberto Boccioni.

Sandro Botticelli’s ‘Madonna of the Book’ (c. 1480) di Museo Poldi Pezzoli

Terlepas dari kenyataan bahwa karyanya yang paling terkenal, The Birth of Venus (pertengahan 1480-an), menampilkan tokoh-tokoh mitologi Yunani, oeuvre Sandro Botticelli terutama berkaitan dengan ikonografi Kristen. Seorang pria yang sangat religius, dia berpartisipasi dalam acara 1497 yang dikenal sebagai Bonfire of the Vanities, di mana dia menghancurkan lukisannya sendiri yang menampilkan tema pagan. Madonna of the Book, salah satu dari tiga Botticellis yang dipajang di Milan, menggambarkan Maria yang termenung menggendong anak itu saat dia membaca dari sebuah buku renungan. Jubah lapis lazuli-nya bersinar dengan kehangatan langit senja yang terpancar dari jendela saat Yesus muda memandang dengan kagum. Lukisan itu menggambarkan periode kedewasaan Botticelli, ditandai dengan keheningan yang tenang yang kemudian digantikan oleh intensitas iman. https://idnslotonline.wildapricot.org/

Leonardo da Vinci’s ‘The Last Supper’ (1498) di Chiesa Santa Maria delle Grazie

The Last Supper karya Leonardo da Vinci adalah salah satu gambar paling abadi dalam kanon Barat. Mural tersebut berada di ruang makan situs Warisan Dunia UNESCO Chiesa Santa Maria delle Grazie (Holy Mary of Grace). Adegan dramatis, menampilkan 12 rasul Yesus bereaksi terhadap berita bahwa salah satu dari mereka akan mengkhianatinya. Dengan menggunakan teknik-teknik canggih dalam perspektif, Leonardo menambahkan kedalaman ekstra dengan memberikan respons emosional kepada setiap aktor. Peter tampak marah dan John pingsan, sementara wajah Yudas berada dalam bayangan. Sayangnya, lukisan fisik itu tidak sekuat reputasinya. Dicat dengan mengaplikasikan tempura pada plester kering, The Last Supper menyimpang dari teknik lukisan dinding tradisional, yang memungkinkan tingkat detail, cahaya dan bayangan yang luar biasa, tetapi menyebabkan cat pecah hanya beberapa dekade setelah selesai. Itu telah dipulihkan berkali-kali selama bertahun-tahun dan selamat dari pengabaian, Perang Napoleon dan pemboman Nazi. Pengunjung hanya diperbolehkan masuk setiap 15 menit, dengan kapasitas maksimum 30 orang pada waktu tertentu, tetapi perjalanan ke Milan belum lengkap tanpa melihat mahakarya ini.

Raphael’s ‘The Marriage of the Virgin’ (1504) di Pinacoteca di Brera

The Marriage of the Virgin mencontohkan visi dan ketepatan komposisi Raphael yang tak tertandingi, dan dikenal sebagai salah satu contoh terbaik dari lukisan perspektif Renaissance Italia. Sementara latar depan kanvas menggambarkan adegan pernikahan tituler, penggunaan perspektif Raphael menjadikan bait suci di latar belakang fokus sebenarnya dari karya tersebut. Arsitektur kuil dengan 16 lengkung ini menunjukkan pengaruh arsitek Renaisans terkemuka Donato Bramante, serta pelukis Piero della Francesca. Setiap elemen The Marriage of the Virgin dieksekusi sesuai dengan urutan matematis, dan teknologi infra merah terkini telah mengungkapkan massa garis padat yang berkumpul di pintu kuil. Garis-garis ini mengikuti rekomendasi risalah Piero pra-1500 De Prospectiva Pingendi (Tentang Perspektif Lukisan). Selanjutnya, sudah sepantasnya Anda dapat melihat lukisan Raphael di samping altar Montefeltro Piero di Pinacoteca di Brera. Pasangan ini menyoroti tradisi bersama dari dua seniman yang sama-sama memulai praktik mereka di bawah tradisi perspektif kota Urbino.

Michelangelo’s ‘Pietà Rondanini’ (1564) di Museo Pietà Rondanini, Castello Sforzesco

Pieta Rondanini adalah ciptaan terakhir dari master Renaisans Michelangelo. Patung marmer putih menampilkan kembali subjek Maria yang berduka atas tubuh kurus Kristus yang mati, yang pertama kali didekati seniman itu pada tahun 1499 Pietà. Maria memeluk Kristus dalam pelukan penuh kasih dan sosok-sosok yang memanjang hampir tampak menyatu satu sama lain. Pahatan itu tidak pernah selesai, tetapi kesederhanaan pekerjaan itu sangat indah.

Read More

Perjamuan Terakhir Leonardo da Vinci

Perjamuan Terakhir Leonardo da Vinci – Perjamuan Terakhir Leonardo da Vinci adalah mahakarya Renaisans, meskipun merupakan salah satu karya yang telah berjuang untuk bertahan secara utuh selama berabad-abad. Itu ditugaskan oleh Duke Ludovico Sforza untuk ruang makan biara Santa Maria delle Grazie di Milan, dan untuk mengecatnya Leonardo menggunakan campuran minyak / tempera dan mengoleskannya ke dinding yang kering. Dia melakukan ini karena dia ingin menangkap tampilan lukisan cat minyak, tetapi bahkan dalam masa hidupnya lukisan itu mulai luntur. Kehancuran lebih lanjut terjadi pada abad ketujuh belas, ketika sebuah pintu dipotong ke bawah (jelas karya Leonardo tidak dihargai pada saat itu seperti sekarang ini).

Dalam lukisan Perjamuan Terakhir, Leonardo menciptakan efek bahwa ruangan tempat Kristus dan para rasul terlihat adalah perluasan dari ruang makan. Ini sangat tepat, karena Perjamuan Terakhir mengambil tema dasar (makan) dari tujuan ruang makan. Perluasan ruang yang kita lihat di sini serupa dengan apa yang kita lihat pada lukisan Tritunggal Mahakudus Masaccio, dilukis di gereja Santa Maria Novella di Florence. Oleh karena itu, Leonardo menggunakan beberapa perangkat gambar yang sama yang digunakan oleh pelukis pendahulunya di awal abad ini. joker388

Adegan itu memperlihatkan kepada kita sosok-sosok di sebuah ruangan persegi panjang dengan pundi-pundi di langit-langit dan permadani di kedua sisi ruangan. Kamar berakhir di tiga jendela di ujung dinding dan melalui jendela kita dapat melihat ke dalam pengaturan lanskap yang indah. Kami melihat bagaimana lanskap di latar belakang berakhir dalam semacam cakrawala abu-abu yang berkabut. Perangkat pelukis ini, di mana warna cakrawala menjadi lebih kusam dan tidak berwarna, disebut perspektif udara dan digunakan oleh seniman Renaisans untuk menciptakan ilusi kedalaman dalam pemandangan lanskap.

Mengenai komposisi, Kristus berada di tengah di antara para rasul, dan tubuhnya berbentuk segitiga yang tidak tumpang tindih dengan rasul mana pun. Ada empat set tiga rasul di meja di samping Kristus, dan angka-angka ini mungkin penting bagi Leonardo karena alasan simbolis (misalnya, ada empat Injil dalam Alkitab, dan tiga adalah angka Tritunggal). Kita dapat dengan mudah melihat penggunaan perspektif linier satu titik Leonardo, di mana titik hilang berada di kepala Kristus (ortogonal dapat dilihat dengan mengikuti puncak permadani dinding atau pundi-pundi ke tempat mereka berpotongan pada Kristus), yang juga miliknya dibingkai oleh pedimen di atas dan diterangi oleh jendela yang terbuka di belakang. Karenanya, Leonardo mengikuti teknik artistik inovatif yang dikembangkan pada awal Quattrocento.

Selain Kristus sebagai pusat komposisi, ia juga menjadi pusat psikologi di sini. Adegan yang kami saksikan berasal dari kisah Injil pada malam sebelum Sengsara dan Kematian Kristus ketika Kristus dan para rasul berkumpul di sebuah ruangan untuk makan malam. Lebih tepatnya, kita menyaksikan mereka pada suatu titik dalam narasi di mana Kristus telah membuat wahyu besar kepada para rasul: salah satu dari mereka akan mengkhianati Kristus (“Salah satu dari kamu akan mengkhianati aku”, Matius 26:21). Dia, tentu saja, mengacu pada Yudas, tetapi pada saat ini ada keributan karena semua rasul mempertanyakan siapa sebenarnya pengkhianat itu. Meskipun Perjamuan Terakhir telah digambarkan dalam seni berkali-kali sebelumnya, momen khusus dalam cerita ini adalah momen yang belum pernah digambarkan. Momen dramatis ini membuka pintu bagi Leonardo untuk mengeksplorasi reaksi psikologis para tokoh yang terlibat. Hal ini dapat kita lihat pada berbagai rasul, yang dihubungkan oleh gerakan tangan mereka. Emosi berkisar dari protes (Philip, # 8) hingga kesedihan (John, di samping Kristus) hingga penerimaan (Kristus). Namun Yudas dibayang-bayangi, sehingga kita hanya bisa melihat sebagian wajahnya saat ia memegangi kantong uang berisi kepingan perak. Yudas biasanya diatur di seberang meja dari para rasul lain dalam penggambaran Perjamuan Terakhir, tetapi di sini dia digambarkan dalam kelompok yang sama seperti Yohanes dan Petrus. Semua tokoh ini akan memainkan peran penting dalam Sengsara Kristus (Yudas dalam pengkhianatan, Petrus dengan penyangkalannya, dan Yohanes yang tetap bersama Kristus di kayu salib).

Leonardo’s Last Supper adalah jenis lukisan yang dibangun di atas tradisi lukisan Renaisans awal di berbagai bidang seperti komposisi dan perspektif. Namun, ia inovatif dalam hal studi tentang reaksi emosional dan keadaan psikologis, semuanya ditangkap dalam jenis naturalisme yang tidak dikenal dalam lukisan Italia pada abad sebelumnya. Dengan Leonardo, kita melihat awal tahun-tahun klimaks Renaissance ketika keahlian berada di puncaknya, ketika cara-cara asli untuk menggambarkan sosok atau pemandangan menjadi kekuatan penuh, dan ketika arah seni Eropa mulai berubah seperti yang kita ketahui. Ini adalah awal dari High Renaissance.

Read More

Lukisan Michelangelo dari Langit-langit Kapel Sistina

Lukisan Michelangelo dari Langit-langit Kapel Sistina – Kapel Sistina adalah salah satu ruang interior yang dicat paling terkenal di dunia, dan hampir semua ketenaran ini berasal dari lukisan langit-langitnya yang menakjubkan dari sekitar 1508-1512. Kapel ini dibangun pada tahun 1479 di bawah arahan Paus Sixtus IV, yang memberinya namanya (“Sistine” berasal dari “Sixtus”). Lokasi bangunan sangat dekat dengan St. Peter’s Basilica dan Belvedere Courtyard di Vatikan. Salah satu fungsi dari ruangan itu adalah sebagai tempat berkumpulnya para kardinal Gereja Katolik untuk berkumpul untuk memilih paus baru. Bahkan saat ini, itu digunakan untuk tujuan ini, termasuk dalam pemilihan Paus Fransiskus baru-baru ini pada Maret 2013.

Awalnya, langit-langit berkubah Kapel Sistina dicat biru dan ditutupi dengan bintang emas. Dindingnya dihiasi dengan lukisan dinding oleh seniman yang berbeda, seperti Pietro Perugino, yang melukis Kristus yang mengantarkan kunci ke Santo Petrus di sana pada tahun 1482.

Pada 1508, Paus Julius II (memerintah 1503-1513) menyewa Michelangelo untuk mengecat langit-langit kapel, daripada membiarkannya tampak seperti semula. Sebelumnya, Michelangelo mendapatkan ketenaran melalui karyanya sebagai pematung, mengerjakan karya-karya hebat seperti Pieta dan David. Namun, dia tidak terlalu dihargai atas karyanya dengan sikat. Menurut Vasari, alasan Julius memberikan tugas setinggi itu kepada Michelangelo karena dorongan dua rival artistiknya, pelukis Raphael dan arsitek Bramante. Vasari mengatakan bahwa keduanya berharap Michelangelo akan jatuh, karena dia kurang terbiasa melukis daripada dia memahat, atau sebaliknya dia akan tumbuh begitu jengkel dengan Julius sehingga dia ingin pergi dari Roma sama sekali. joker123

Namun, alih-alih jatuh tersungkur, Michelangelo naik ke tugas untuk menciptakan salah satu mahakarya seni Barat. Program langit-langit, yang mungkin dirumuskan dengan bantuan seorang teolog dari Vatikan, berpusat di sekitar beberapa adegan dari Perjanjian Lama yang dimulai dengan Penciptaan Dunia dan berakhir pada kisah Nuh dan Air Bah. Lukisan diorientasikan sehingga untuk melihatnya dari sisi kanan ke atas, pengamat harus menghadap altar di sisi paling jauh dari dinding altar. Urutan dimulai dengan Penciptaan, di atas altar, dan berlanjut ke sisi pintu masuk kapel di sisi lain ruangan.

Michelangelo mulai melukis pada tahun 1508 dan ia melanjutkannya hingga tahun 1512. Ia memulai dengan melukis lukisan Noah fresco (sisi pintu masuk kapel), tetapi setelah ia menyelesaikan adegan ini ia melepas perancah dan mengambil apa yang telah ia selesaikan. Menyadari bahwa sosok itu terlalu kecil untuk memenuhi tujuannya di langit-langit, dia memutuskan untuk mengadopsi sosok yang lebih besar dalam adegan fresco berikutnya. Dengan demikian, saat lukisan bergerak menuju sisi altar kapel, figurnya lebih besar serta gerakannya lebih ekspresif. Dua dari pemandangan terpenting di langit-langit adalah lukisan dindingnya tentang Penciptaan Adam dan Kejatuhan Adam dan Hawa / Pengusiran dari Taman.

Untuk membingkai adegan utama Perjanjian Lama, Michelangelo melukis cetakan arsitektur fiktif dan patung-patung pendukung di sepanjang kapel. Ini dicat dengan grisaille (pewarnaan keabu-abuan / monokromatik), yang membuat mereka tampak seperti perlengkapan beton.

Di bawah arsitektur fiktif terdapat lebih banyak kumpulan tokoh penting yang dilukis sebagai bagian dari program langit-langit. Sosok-sosok ini terletak di segitiga di atas jendela yang melengkung, sosok yang lebih besar duduk di antara segitiga. Kelompok pertama termasuk orang-orang Perjanjian Lama seperti Daud, Josiah, dan Jesse – yang semuanya diyakini sebagai bagian dari leluhur manusia Kristus. Mereka melengkapi potret para paus yang dilukis lebih jauh di dinding, karena para paus menjabat sebagai Wakil Kristus. Dengan demikian, hubungan dengan Kristus – sebelum dan sesudah – terwujud dalam lukisan-lukisan ini yang dimulai dari langit-langit dan berlanjut ke dinding.

Sosok di antara segitiga mencakup dua jenis tokoh yang berbeda – nabi Perjanjian Lama dan saudara kafir. Kaum humanis Renaisans pasti akrab dengan peran saudara kandung di dunia kuno, yang meramalkan kedatangan seorang penyelamat. Bagi orang Kristen abad keenam belas, nubuat kafir ini ditafsirkan sebagai digenapi pada saat kedatangan Kristus di bumi. Oleh karena itu, baik nabi dari Perjanjian Lama maupun budaya klasik menubuatkan kedatangan Mesias yang sama dan digambarkan di sini. Salah satu saudara kandung ini, Sibyl Libya, sangat terkenal karena bentuk pahatannya. Dia duduk di atas pakaian yang diletakkan di atas kursi dan memutar tubuhnya untuk menutup buku. Berat badannya diletakkan di atas jari kakinya dan dia melihat dari balik bahunya hingga ke bawah, ke arah altar di kapel. Michelangelo telah membuat saudara kandungnya menanggapi lingkungan tempat dia ditempatkan.

Dikatakan bahwa ketika Michelangelo melukis, pada dasarnya dia melukis patung di permukaannya. Ini jelas terjadi di langit-langit Kapel Sistina, di mana dia melukis sosok-sosok monumental yang mewujudkan kekuatan dan keindahan.

Read More

Lukisan Konser Pastoral Titian

Lukisan Konser Pastoral Titian – Lukisan besar di Louvre berjudul Konser Pastoral (juga Simfoni Pastoral dan Champêtre Fête) bersifat misterius baik dalam arti maupun dalam pengarang, tetapi lukisan itu telah menjadi salah satu lukisan yang lebih berpengaruh di museum, terutama pada pelukis abad kesembilan belas yang datang ke Paris untuk melihatnya. Ini telah dikaitkan dengan pelukis terbesar Venesia, Titian, serta salah satu gurunya di Venesia, Giorgione (ini pertama kali dikaitkan dengan Giorgione pada tahun 1671). Para sarjana telah bolak-balik selama bertahun-tahun dalam pendapat mereka tentang seniman mana yang melukis adegan itu, tetapi baru-baru ini gelombang telah memilih Titian sebagai tangan yang bertanggung jawab atas pekerjaan itu pada titik awal karirnya (Titian akan terus melukis selama lebih dari enam puluh tahun setelah Konser Pastoral selesai). Kanvas itu sendiri tidak dibersihkan selama bertahun-tahun, sehingga dalam foto akan terlihat berwarna kekuningan. Namun, ketika lukisan itu selesai pada awal abad keenam belas, warnanya kemungkinan besar jauh lebih cerah dan berbeda.

Tidak ada yang tahu pasti apa yang digambarkan dalam materi pelajaran misterius itu, tetapi tampaknya itu adalah penggambaran alegori. Tokoh utamanya adalah dua pria yang sedang duduk di atas rumput dengan latar pedesaan yang luas. Titian benar-benar hanya tertarik pada lanskap seperti ini di awal karirnya, dan dalam lukisan selanjutnya ia mengurangi jumlah lanskap yang terlihat, atau membuangnya sama sekali. Dalam latar di sini, pria di sebelah kiri mengenakan pakaian merah yang dikenakan oleh bangsawan pada masa itu dan tampaknya memainkan kecapi, dan pria di sebelah kanan mengenakan kostum cokelat yang lebih sederhana yang lebih khas kaum tani. Di kejauhan, kami melihat pria lain memasuki gambar; seorang gembala datang dari kanan bersama dengan kawanannya. https://joker12329.wildapricot.org/

Para pria berpaling ke arah satu sama lain saat mereka terlibat dalam percakapan dan tampaknya tidak menyadari sosok mencolok lainnya dalam adegan itu dua wanita telanjang yang montok. Sementara yang di kiri sedang menuangkan air dari teko kaca ke dalam sumur, yang di kanan baru saja menghentikan aktivitasnya bermain seruling sambil duduk di depan para pria. Fakta bahwa para wanita tidak diperhatikan, dan agak nyaman dengan kurangnya pakaian mereka, menunjukkan bahwa mereka bukanlah wanita biasa melainkan orang-orang supernatural. Penggunaan jenis figur ini – apakah itu dewa tertentu atau personifikasi umum dari ide atau tempat berasal dari dunia klasik dan lumrah dalam seni Romawi kuno. Di sini, perempuan abadi tampaknya hadir namun tidak terlihat di hadapan laki-laki pada saat tertentu yang digambarkan.

Tubuh betina mungkin dianggap terlalu montok oleh konsepsi modern tentang bentuk tubuh ideal, tetapi mereka akan dianggap ideal untuk zaman Titian. Titian mungkin telah menyalinnya dari model sebenarnya, atau mungkin dari patung klasik, dan dia tampaknya telah menekankan tubuh mereka yang melengkung dengan menggunakan bentuk melengkung di pepohonan dan bukit yang mengepul di lanskap. Dia juga melukis perempuan sehingga penonton tidak hanya melihat satu dari depan, tetapi juga dari belakang. Oleh karena itu, penonton dapat melihat sekilas wujud wanita telanjang dari berbagai perspektif, bukan hanya dari depan. Ini adalah kontribusi baru dalam lukisan oleh Titian, karena dia adalah pelukis pertama yang menggambarkan sosok telanjang dari punggungnya dengan cara yang begitu menonjol.

Mengambil gambar dan latar secara keseluruhan, apa yang mungkin digambarkan oleh adegan itu? Karena tidak ada bukti tertulis yang mendasari isinya, dan karena lukisan tersebut seolah-olah merupakan ide orisinal dan tidak secara langsung menyalin lukisan lain, makna keseluruhan menjadi tidak sepenuhnya jelas. Namun, salah satu interpretasi yang diberikan kepada sosok perempuan adalah bahwa mereka adalah muse, figur dewa yang menginspirasi manusia, dan instrumen yang dimainkan mengacu pada puisi. Musik dari figur-figur tersebut menciptakan sejenis harmoni dalam setting ini yang menggemakan harmoni yang lebih besar yang ditemukan di alam semesta, dengan demikian menghubungkan aktivitas-aktivitas dalam scene ini dengan kosmos. Penafsiran ini, bagaimanapun, diperumit oleh kedatangan gembala di kejauhan, yang mengganggu harmoni musik. Mungkin kasus gembala melambangkan orang yang belajar atau kelas yang lebih rendah, yang tidak dapat menghargai kecanggihan musik yang dinikmati oleh dua tokoh utama. Jadi, menurut pandangan ini, Konser Pastoral memberikan tidak hanya sekilas ke dalam kegiatan utopis yang damai yang menggabungkan pemahaman klasik, tetapi mungkin juga pelajaran tentang cara seseorang dapat tiba di dunia ini melalui beasiswa dan pemahaman, sesuatu yang orang yang tidak berpendidikan tidak memiliki.

Read More